36º Festival Cine UC 2012 ::.

Lo más reciente de Terrence Malick, Mike Leigh y Alex de la Iglesia, entre otros realizadores, además de una muestra que revisará el legado de la Nueva Novela Francesa en la década del 60, son parte de la programación especial que trae para este verano el Festival Cine UC. La edición número 36 pondrá su acento, como ya es habitual, en revisar lo mejor del año cinematográfico nacional e internacional. A obras como “Piotr, una mala traducción”, de Martín Seeger; “Metro cuadrado”, de Nayra Ilic; “Nostalgia de la luz”, de Paticio Guzmán, “Perro muerto”, de Camilo Becerra, y  “Música campesina”, de Alberto Fuguet, entre otras cintas que revitalizaron la cartelera local durante 2011, se suman películas como “Temple de acero”, de Joel &  Ethan Coen; “El cisne negro”, de Darren Aronofsky;  “Lazos de sangre”, de Debra Granik y “Copia certificada”, de Abbas Kiarostami, las cuales fueron algunos de los puntos más fuertes de la producción extranjera del año.

Como en versiones anteriores, habrá un énfasis especial en la formación de público, a través de actividades paralelas. Estas son: curso de apreciación cinematográfica nivel introductorio, coloquio sobre la llegada del cine a Latinoamérica y mesa redonda acerca de las más recientes publicaciones chilenas de cine.

PREESTRENOS
Del sábado 14 al lunes 23 de Enero a las 19 hrs. y del viernes 27 de Enero al domingo 5 de Febrero a las 21:30 hrs.

De Caravana, de Rosendo Ruiz. Argentina. 2010. 100 minutos.
S 14, 19 hrs. / V 27, 21:30 hrs.
De caravana fue una de las revelaciones del año cinematográfico argentino. Una cinta realizada en la cada vez más productiva provincia de Córdoba, que tiene a la road movie como guiño de acceso a la historia y los apuntes del retrato documental como excusa para su observación de personajes. Es una deuda con las mafias locales lo que impulsa al protagonista, el fotógrafo publicitario Juan Cruz, a involucrarse con un séquito de personajes ligados al delito y los arrabales. Pero es también la atracción hacia una chica lo que moviliza a Juan más allá de lo que la sensatez aconsejaría. De Caravana es una cinta asombrosa no sólo por su capacidad de retratar con total empatía y humor tipos humanos asociados a la marginalidad, sino además hacerlo con libertad y júbilo creativo.  

La Mujer sin Piano, de Javier Rebollo. España. 2010. 94 minutos.
D 15, 19 hrs. / S 28, 21:30 hrs.
Esta es una historia fascinante que se debate entre el drama y la comedia absurda. Una mujer ya madura, hastiada de su relación de pareja, decide una noche abandonar tanto a su marido como a la ciudad. Sin embargo, el azar se irá confabulando en cada instante para arruinar sus planes de fuga y llevarla a una aventura nocturna en la que conocerá a un inmigrante al borde de la patología que se transformará en un ancla durante esa noche alucinada. La mujer sin piano es el segundo largometraje del español Javier Rebollo y es un relato plenamente controlado a pesar de vocación de extravío permanente, de  sus desbordes de guión y de su voluntad lúdica. Es, a su modo, una cinta sobre las segundas oportunidades y sobre la posibilidad de enrielarse y encontrar el sentido precisamente en el momento en que se cree que todo está dicho y hecho.

La Mentira, de Xavier Giannoli. Francia. 2009. 130 minutos.
L 16, 19 hrs. / D 29, 21:30
Basada en hechos reales ocurridos en Francia, este drama cuenta la historia de Paul Muller, un ex convicto llamado quien, haciéndose pasar por jefe de una empresa constructora, trata supuestamente de retomar los trabajos de extensión de una autopista. Esta iniciativa resulta salvadora para la economía del pueblo adyacente a la obra, ya que Paul contrata a cientos de empleados. Paralelamente se enamora de la esposa del alcalde y todo ello lo hace enfrentarse a un gran dilema: ¿Hasta cuándo podrá sostener el engaño que ha montado?

La Vida Útil, de Federico Veiroj. Uruguay. 2010. 70 minutos.
M 17, 19 hrs. / L 30, 21:30 hrs.
Después de Acné, una incisivo registro del despertar sexual de un chico de clase alta en los noventa, Federico Veiroj realizó este relato asombrosamente original, al mismo tiempo documental y ficción, que fusiona la pasión (o, si se prefiere, la desilusión) cinéfila con el encuentro afectivo. El protagonista del filme es Jorge Jellinek –programador de la Cinemateca Uruguaya quien se interpreta a sí mismo–, un hombre triste que tiene sólo su inestable trabajo como centro de gravedad de su solitaria vida.  Paralelamente a su debacle profesional, dado que peligra la estabilidad financiera de la filmoteca, comienza a interesarse por una amiga de años, con quien intenta algo parecido a un cortejo. La Vida Útil es una película sobre las paradojas de la existencia que respira gran frescura porque expande la vida de sus personajes más allá de la anécdota cinéfila y los inserta en los anhelos, necesidades y angustias de la búsqueda de la pareja.

Norteado, de Rigoberto Pérezcano. México. 2009. 95 minutos.
Mi 18, 19 hrs. / L 30, 21:30 hrs.
Esta cinta Mexicana aborda uno de los conflictos más recurrentes en el último medio siglo: la emigración hacia Estados Unidos. Sin embargo, la mirada del director Rigoberto Pérezcano se aparta estrictamente de la denuncia social o del miserabilismo para adoptar una mirada existencial y antropológica. El centro del relato es Andrés, un joven obsesionado con cruzar la frontera mexicana hacia el norte pero quien, entre cada intento, descubre que la ciudad que lo adopta –Tijuana– no es un sitio fácil y, mientas espera la oportunidad para abandonar su país, se enfrenta a sus sentimientos, a lo que dejó en su pueblo y a lo que encuentra en Tijuana: Cata, Ela y Asensio.

Alamar, de Pedro González-Rubio. México. 2010. 78 minutos.
J 19, 19 hrs. / Mi 1, 21:30 hrs.
No hay demasiadas explicaciones en esta cinta. Jorge es mexicano, Ana italiana. Su relación dura muy poco. Se separan y el pequeño hijo de ambos, Natan, parte en un viaje con su padre de regreso a Banco Chinchorro, la zona donde creció en la costa mexicana. Para el pequeño no es en principio un viaje de placer, aunque la hermosa localidad de Banco Chinchorro, donde se ambienta la cinta, pueda inducir a ello. Es un viaje de aprendizaje para la subsistencia pero, más que todo, es un aprendizaje entre padre e hijo. Premiada en los festivales de Miami, Toulouse y Rotterdam, Alamar es una cinta física en el más estricto sentido: por la función que adquieren los elementos naturales, por el sentido de aventura, por la ferocidad del paisaje a pesar de su belleza. El director Rodrigo González-Rubio construye un relato austero donde sólo prevalecen el ser humano y la naturaleza en un equilibrio muy inestable. Toda la sensación de lo precario y lo efímero que transmiten las poderosas imágenes de esta hermosa película surge de allí. De la soledad oculta en la belleza, de lo efímero en aquello que parece eterno.

La Mala Verdad, de Miguel Ángel Roca. Argentina. 2010. 94 minutos.
V 20, 19 hrs. / J 2, 21:30 hrs.
A sus diez años, Bárbara es una niña triste y con algunos problemas de conducta que alertan a sus padres de que algo pasa con ella. Con la ayuda de la psicopedagoga de su colegio, Bárbara comienza a indagar en los miedos que la atormentan y pronto los lazos la conducen hacia el interior de su propio hogar y hacia la imponente y severa figura de su abuelo. En este segundo largometraje, el argentino Miguel Ángel Rocca maneja con cuidado el tema del abuso psicológico. Los puntos altos de su trabajo están en descartar las estridencias con que hubiese procedido cualquier otro cineasta, sino además mantener un trabajo interpretativo de gran nivel, necesario para que una historia como esta no pierda su intensidad.

El Circuito de Román, de Sebastián Brahm. Chile. 2011. 85 minutos.
S 21,19 hrs. / V3, 21:30 hrs.
Roberto Román es un genio de la neuropsicología pero incapaz de manejarse con las estrategias de poder en la universidad donde trabaja ni de sobreponerse a su madre. A pesar de haber sido un alumno brillante y de estar realizando una investigación que podría revolucionar la noción sobre la forma en que almacenamos nuestros recuerdos, su trabajo está estancado por problemas de presupuesto. Prácticamente sin apoyo, Román  decide experimentar con él mismo sus propias teorías.
Desde el punto de vista de su construcción y de sus hallazgos formales a nivel del relato, El Circuito de Román encajaría fácilmente con una cinta de ciencia ficción donde la realidad y la experiencia mental tienden a atropellarse constantemente. Pero el director Sebastián Brahm observa más cosas: las hipócritas relaciones en el entorno académico y la manipulación dentro de la familia y en esa mirada irónica y socarrona la cinta se acerca a ratos a la comedia negra. Película compleja fascinante y original, logró buena acogida en el reciente Festival de Cine de Toronto, además del Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Valdivia.

Los Viejos, de Martín Boulocq. Bolivia. 2011. 80 minutos.
D 22, 19 hrs. / S 4, 21:30 hrs.
Este segundo largo del boliviano Martín Boulocq indaga en las heridas de Tono, un joven que regresa después de años a la casa donde creció junto a la familia que lo acogió siendo huérfano. Su retorno está motivado por el deteriorado estado de salud de su padre adoptivo y también por el reencuentro con Ana, de la que alguna vez siendo adolescente se sintió enamorado. Boulocq filma esta historia a partir de lazos dramáticos muy tenues donde las conexiones de la historia priorizan lo visual por sobre lo verbal y es allí, en sus silencios, donde cobra vida el drama retornar sólo para destapar las heridas que hicieron a Tono abandonar su hogar hace años. Desde el punto de vista de su puesta en escena es un relato fascinante que se organiza en función de su cuidada belleza formal.

Las Acacias, de Pablo Giorgelli. Argentina. 2011. 82 minutos.
L 23, 19 hrs/ D 5, 21:30 hrs.
El viaje que realiza un camionero desde Paraguay hasta Buenos Aires para trasladar a una mujer y su hijo recién nacido es todo el escenario dramático que requiere esta hermosa cinta de Pablo Giorgelli. En la convivencia forzosa que obliga el viaje, la cinta transita desde la reserva y la desconfianza mutua hasta la apertura y la fragilidad. Giorgelli filma la aventura del viaje como descubrimiento y como instancia de aprendizaje que se define sólo en la medida en que se comparte cercanía física y rumbo. Entre las heridas y carencias de ambos Las Acacias se contenta sólo con asomarse a ese momento sublime donde se generan los vínculos que unirán a las personas. A veces por sólo un instante. A veces para el resto de la vida.
Las Acacias fue una de las películas argentinas más premiadas de 2011. Entre sus reconocimientos recibió la Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima en el Festival de cine de Cannes.

Las Mejores Películas Chilenas del 2011 
Del sábado 14 al lunes 23 de Enero y del  viernes 27 de Enero al domingo 5 de Febrero a las 16 hrs.

Metro Cuadrado, de Nayra Ilic. 2011. 71 minutos.
S 14 y V 27, 16 hrs.
Como antecedentes de esta primera película, Nayra Ilic había realizado dos cortometrajes, ambos empapados de una mirada femenina, intimista y reflexiva en torno a la vida en pareja. Metro Cuadrado parece ser la conclusión de un tríptico. Para sumergirse en esta atmósfera, Ilic concentra a su protagonista en un solo espacio. Un departamento en el barrio Bellas Artes, amplio y luminoso, donde Francisca (Natalia Grez) se muda a vivir con su novio. Lamentablemente el propio departamento parece ir corrompiendo la dinámica íntima, como si la luz que inunda las ventanas, el ruido de la calle o el mobiliario que va rotando la posición mientras busca el lugar definitivo, fuesen minando una felicidad frágil, el fracaso de un proyecto común que se anuncia desde la secuencia inicial de un filme bello, simple, triste.
Carolina Urrutia

Piotr, una mala traducción, de Martín Seeger. 2011. 90 minutos.
D 15 y S 28, 16 hrs.
Un grupo de inmigrantes de Nacrovia- país e idioma inventado por el propio Seeger- se encuentran atrapados en la ciudad de Santiago. Ellos deambulan y observan la ciudad, sus habitantes, ritos y signos con melancolía y extrañeza. Piotr, el protagonista, realiza una obra de teatro sobre la “revolución aristocrática” de Nacrovia actuada por malos actores chilenos. A su vez es asediado por cartas burocráticas del Ministerio de Cultura y por la llegada de su ex novia. Ellos hablan el nacrovés, y cerca de la mitad de la película se encuentra subtitulada. Con todo esto, Seeger construye una comedia negra y absurda, que pasa rápidamente a niveles metatextuales. Ironía, parodia, juegos de lenguaje, terminan por crear un filme único en nuestro país, tan intelectual como corrosivo.
Iván Pinto

La Muerte de Pinochet, de Bettina Perut & Iván Osnovikoff. 2011. 75 minutos.
L 16 y D 29, 16 hrs.
En su sexto largometraje, la pareja de documentalistas chilenos han profundizado su acercamiento a lo grotesco, llevando el género documental hacia el límite del artificio y la puesta en escena. El filme está dividido en dos partes: el registro del día de la muerte de Pinochet (2006) y el “presente”, que es el retrato de cuatro personajes: un viejo ex comunista que hoy en día decide disfrazarse de viejito pascuero en señal de protesta; dos seguidores de Pinochet que los cineastas muestran desde una perspectiva absurda y sentimental;  y un borrachín que pasa de casualidad frente a la cámara y no posee relación con Pinochet. La muerte de Pinochet, en ese sentido, debe leerse como notas al margen del evento histórico de “la muerte”, sacudiendo desde una antropología del margen, los síntomas residuales de una época.
Iván Pinto

Ulises, de Oscar Godoy. 2011. 85 minutos.
M 17 y L 30, 16 hrs.
La ópera prima de Oscar Godoy se centra en la vida de un inmigrante peruano en la ciudad de Santiago. Con prudencia se registran sus recorridos, los modos en que intenta ingresar en una sociedad cerrada y desigual, de generar un sueldo o de conocer a una chica. El filme se mantiene en el mismo tono, no tiene grandes sobresaltos, todo queda bañado por una luz que tiende a poner distancia, mientras se configura una ciudad que funciona en tensión con un cuerpo que no logra sentirse cómodo, en parte porque no está donde quiere estar, en parte porque el camino que parece que debe recorrer –aunque el espectador no comprenda bien por qué debe hacerlo- es sumamente ingrato. El de Godoy es un debut estética e ideológicamente sobrio.
Carolina Urrutia

Lucía, de Niles Atallah. 2010. 80 minutos.
Mi 18 y M 31, 16 hrs.
Lucía (Gabriela Aguilera) vive junto a su padre (Gregory Cohen), trabaja en una pequeña fábrica de costura y se dedica a las pequeñas tareas cotidianas de la casona gigante en la que habita, un espacio atiborrado de cachivaches, un lugar arruinado, de muros descascarados, de cielos parchados. De manera muy interesante y novedosa, Niles Attallah logra fundir estética, subjetividad, espacio y tiempo. A partir de un sutil Stop Motion, vemos como una casa cobra vida, al igual que lo hace la ciudad que se destruye a su alrededor. La historia, -la no historia- se contextualiza mediante un televisor que anuncia la muerte de Pinochet, con eso el director no sólo nos sitúa en un lugar y en un tiempo, sino que da cuenta de la extrema división política, social, moral de un país sin memoria.
Carolina Urrutia

Nostalgia de la Luz, de Patricio Guzmán. 2010. 90 minutos.
J 19 y Mi 1, 16 hrs.
Nostalgia de la Luz es un gran documental: es una sensible metáfora sobre el presente de Chile, la utopía y su relación con el pasado. En el desierto de Atacama a tres mil metros de altura, astrónomos de todo el mundo buscan respuestas sobre el origen del universo. El mismo desierto acumula restos y fragmentos de asteroides, cenizas…y también restos humanos, recientes y arcaicos. Astrónomos, arqueólogos, antropólogos y un grupo de mujeres  familiares de detenidos desaparecidos- que buscan con inquebrantable fe osamentas en el desierto- nos hablan del afán de búsqueda y utopía- científica y política- , la inquietud permanente de lo ínfimo y lo inabarcable. Nunca antes Guzmán ha estado tan cerca de la poesía y el ensayo como en este filme.
Iván Pinto

El Mocito, de Marcela Said & Jean de Certeau. 2011. 70 minutos.
V 20 y J 2, 16 hrs.
¿Es posible filmar el mal? Es una pregunta que circula en torno al documental El mocito de Marcela Said y Jean De Certau. En una línea filosa, tétrica del documental chileno, el documental de Said podría estar cerca de La flaca Alejandra de Carmen Castillo, en términos de abordar a alguien que  colaboró con el aparato represivo de la dictadura militar. Jorgelino- el mocito que servía los cafés en las sesiones de tortura-  busca una posible redención colaborando para resolver casos frente a la justicia, aunque nosotros sospechamos que ya es demasiado tarde para ello. Dentro de las virtudes de este filme, la observación, el detalle y un trabajo visual-sonoro hasta ahora inédito en los documentales anteriores de Said. El mocito es inquietante cuando deja interrogantes abiertas frente a un personaje que nos produce dudas. Cuestionable cuando da indicios argumentales para una posible redención.
Iván Pinto

Música Campesina, de Alberto Fuguet. 2011. 100 minutos.
S 21 y V 3, 16 hrs.
Norteamérica siempre ha sido un destino esplendoroso en la obra de Alberto Fuguet, una suerte de contrapunto que emerge de sus libros y películas, de un país mediocre y errático. Con Música Campesina el escritor/cineasta realiza la operación inversa, rompe el mito, toma a su protagonista y lo deja en Nashville, y la narración se instala sin pudor en el aburrimiento de piezas de hoteles con vista hacia los letreros de Mac Donalds y a grandes espacios de estacionamiento. El protagonista, interpretado por Pablo Cerda, deambula por las periferias, las carreteras, va a lavar ropa, se cepilla los dientes, Fuguet se hace cargo sin culpa del tedio, del tiempo muerto, del vacío enorme del extranjero sin rumbo.
Carolina Urrutia

Perro Muerto, de Camilo Becerra. 96 minutos. 96 minutos.
D 22 y S 4, 16 hrs.
Perro Muerto es la ópera prima de Camilo Becerra y es uno de los filmes más interesantes realizados en los últimos años. En un entramado que toma elementos del cine de observación social- de la escuela que va desde Aldo Francia a los hermanos Dardenne- la narración se toma sus tiempos en un movimiento que va desde lo lateral hacia el centro de las situaciones y conflictos. Una pequeña galería de personajes desarraigados, espacios suburbiales, pero la interrogante permanente sobre los vínculos- sociales, afectivos- expresados en diálogos y actuaciones orgánicas, no forzadas, encuentran a un director con un estilo tempranamente maduro. Perro Muerto ha encontrado una salida para el cine chileno, en términos de oponerse tanto a un esteticismo vacuo, como al maniqueísmo político, formulando un cine que tiene tanto de poesía como observación social. Iván Pinto

Locas Mujeres, de María Elena Wood. 2011. 72 minutos.
L 23 y D 5, 16 hrs.
Todo el legado -el tesoro- de Gabriela Mistral: archivos de audio y fotográficos, cartas, telegramas, libros, videos caseros, que quedan en manos de Doris Dana luego de la muerte de Mistral, es utilizado por María Elena Wood para sumergirse en la relación que mantienen ambas mujeres por más de diez años. Wood se sumerge en las palabras, las imágenes, los sonidos, y nos regala una faceta extremadamente romántica de la poetiza. A partir del reflejo de la intimidad empapada de afecto y sensualidad entre ambas mujeres, se va organizando un relato sin tesis, con un énfasis poético, hecho a partir de retazos de un material encontrado y exhibido sin dobles lecturas. El resultado es una especie de regalo, que se disfruta tímidamente, porque implica el ingreso a un mundo privado y sumamente personal, al tiempo que permite una relectura de una de las grandes figuras literaria de Chile.
Carolina Urrutia

Lo Mejor del Año
Del sábado 14 al lunes 23  de Enero a las 21:30 hrs y del viernes 27 de Enero al domingo 5 de Febrero a las 19 hrs.

Temple de Acero, de Joel & Ethan Coen. Estados Unidos. 2010. 100 minutos.
S 14, 21:30 hrs / V 27, 19 hrs.
Se puede ver a este filme de los hermanos Joel y  Ethan Coen bajo el prisma del género y decir: hé aquí una historia de venganza sobre una muchacha empeñada en castigar el asesinato de su padre y el hombre que contrata como sicario. Pero su verdadera grandeza como western no radica en el ajuste de cuentas de crímenes pasados, sino más bien con las heridas que el presente le hereda al futuro. Al final de la historia, tal vez  esto no sea más que el relato de cómo tres hombres marcaron (en el cuerpo, en el alma y el corazón) a una mujer que nunca pudo olvidarles. No es casual que los Coen abran el filme con una cita del Libro de los Proverbios. Temple de Acero tiene la economía y pureza moral de un episodio del Libro de los Jueces.
Daniel Villalobos

El cisne negro, de Darren Aronofsky. Estados Unidos. 2010. 108 minutos.
D 15, 21:30 hrs/ S 28, 19 hrs.
Lo que hace el norteamericano Darren Aronovsky (Pi, Requiem por un Sueño) en esta cinta es plasmar en acaso uno de los escenarios más pulcros y asépticos imaginables una historia visceral de rencillas, suciedades, competencias, traumas sexuales que tiene como trasfondo la elección de la actriz que interpretará el rol principal en una adaptación del famoso ballet de Tchaikovsky. Probablemente inspirado en David Cronenberg, en el fondo, es el backstage de El Lago de los Cisnes remasterizado en clave de horror sicológico con tintes de sicodelia. El perturbador tour de forcé de Natalie Portman (soberbia) y Mila Kunis merece un artículo completo aparte. Black Swan es de esas  películas provocativas que se ama o se odia.
Alejandro Alaluf

Lazos de Sangre, de  Debra Granik. Estados Unidos. 2010. 100 minutos.
L 16, 21:30  hrs./ D 29, 19 hrs.
El mejor drama estrenado en Chile el 2011 tiene entre sus méritos el ser un perfecto thriller de cine negro sin tener pistolas, bares ni hombres de impermeable. Su detective es una campesina quinceañera que rastrea a su padre desaparecido. No por afecto, sino para evitar el remate de la miserable casa familiar. Suena como otro ejemplo de porno-pobreza, pero la directora Debra Granik nunca deja que la denuncia social sobrepase a la intriga: la pesquisa de la chica (que deriva del simple relato detectivesco a los abismos del drama griego) se sigue al borde del asiento, como si en sus vagabundeos estuviera la clave no sólo de un padre perdido, sino de un país con el alma rota.
Daniel Villalobos

Blue Valentine, de Derek Ciafrance. Estados Unidos. 2010. 112 minutos.
M 17,  21:30 hrs/ L 30, 19 hrs.
Dean (Ryan Gosling) es un tipo joven, sin estudios superiores, que puede hacer cualquier oficio y hacerlo bien. Cindy (Michelle Williams) es una enfermera un poco cansada de la vida. Sus destinos se cruzaron en un geriátrico y ahora son marido y mujer, padres de una pequeña juguetona. ¿Todo bien? No, realmente.
Con paseos temporales que arrancan como flashbacks de juventud y terminan fagocitando el relato y reconfigurando la intriga, la cinta digita la melancolía y el dolor de los corazones rotos como no se veía en la cartelera desde los tiempos de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos. Lo que impone es el impulso vital del que dan cuenta en tal y cual momento, a veces para sellar el amor indesmentible, otras para entregarse al sacrificio o para quemar las naves. Blue Valentine no es perfecta ni tiene para qué. Está tan lejos del amor a la medida como se puede estar, generando una experiencia que no dejará indiferente a nadie que se haya enamorado y decepcionado alguna vez.
Pablo Marín

El Hombre de al lado, de Mariano Cohn y Gastón Duprat. Argentina. 2009. 110 minutos.
Mi 18, 21:30 hrs. / M 31, 19 hrs.
Esta película es casi una fábula social que podría contarse así: un exitoso diseñador industrial que vive con su familia en una cotizada y elegante casa de Le Corbusier (la única del aclamado arquitecto suizo-francés que se hizo en America Latina) descubre un buen día que su vecino ha decidido hacer una ventana justo frente a la suya “para robar un poquito de sol”. Es un problema menor, casi simple, pero no hay ánimo de consenso entre las partes: el diseñador quiere a toda costa que la ventana no se haga, y el hombre de al lado (un rústico vendedor de autos usados) que sí. La fábula, entonces, es sobre la convivencia, el clasismo, las fronteras físicas y mentales, la propiedad privada, el machismo y otros 20 temas más que circulan en esta cinta argentina con un guión inteligente y variados momentos de ironía fina.
Gonzalo Maza.

Súper 8, de J. J. Abrams. Estados Unidos. 2011. 112 minutos.
J 19, 21:30 hrs. / Mi 1, 19 hrs.
Que en los créditos de Super 8 figuren con el mismo tamaño su guionista y director, J.J. Abrams (Star Trek, Lost) y su productor, Steven Spielberg, no es casualidad. Porque si bien la película, una entretenida amalgama de cintas de despertar adolescente, como Los Goonies, The Sandlot o la soberbia Cuenta Conmigo, con clásicos de la ciencia ficción contemporánea como Encuentros Cercanos del Tercer Tipo y la misma E.T.,  es de completa autoría de Abrams, probablemente ésta sea una de las cintas más spielbergianas que se han realizado no teniendo al realizador de Jurassic Park en la silla de director. Desde la camaradería infantil al misterio del alienígena perdido, la cantidad de guiños denotan que Abrams ha sido el alumno más aventajado de su generación en recrear de manera correcta los códigos del blockbuster estival emotivo, ese donde Spielberg es rey.
Alejandro Alaluf.

El Planeta de los Simios: (R) Evolución, de Rupert Wyart. Estados Unidos .2011.104 minutos.
V 20, 21:30 hrs/ J 2, 19 hrs.
El control sería lo humano, el instinto sería lo animal. El control se compone de normas sociales que regulan el comportamiento y permiten la convivencia. El instinto, en cambio, no conoce límites para actuar, solo la propia supervivencia. Sin embargo, lo humano y lo animal, como indica esta película, son intercambiables. Como parte del relanzamiento de la serie “El planeta de los simios” (que Tim Burton casi destruye hace diez años con un innecesario remake de la primera) esta cinta tiene un logro no menor. Sin conectarse directamente con la historia de las películas originales, sí apuesta por una idea magnífica que viene de ahí: la aparición de inteligencia racional entre los simios (a partir de un experimento que logra su alteración genética) y la revolución animal que de ahí puede provenir. La aventura está contada con mano firme y es una fiesta.
Gonzalo Maza

Un Affaire d’amour, de Stéphane Brizé. Francia. 101 minutos.
S 21, 21:30 hrs. / V 3, 19 hrs.
Une affaire d’amour tiene, aparte del título, mucho de lo que la crítica no-francesa define como propio de una “película francesa”: personajes con claro anclaje geográfico y de rasgos finamente delineados, aparte de un aliento dramático superlativo. Pero ante todo tiene personajes que viven y respiran para mayor involucramiento del espectador. Que se le pueda analogar a La mujer de la próxima puerta y a otros clásicos del adulterio à la française es una gracia adicional.Jean (Vincent Lindon) construye casas a pedido en una ciudad más bien pequeña. Marido empático y padre preocupado, algo cambia en él cuando descubre  cierta afinidad con la profesora de su único hijo (Sandrine Kiberlain). ¿Qué sigue? Asumir las implicancias de la responsabilidad y padecer azares impensados. Con mucha contención y pocas palabras. Acaso se echará en falta cierto punch trágico, pero no el espesor ni hondura  de un relato que deja aflorar el sentimiento al tiempo que lo enriela. Pablo Marín

Líbano, de Samuel Maoz. Israel / Francia / Líbano / Alemania. 2009. 93 minutos.
D 22, 21:30 / S4,  19 hrs.

Copia Certificada, de Abbas Kiarostami. Francia / Italia / Irán. 2010. 106 minutos.
L 23, 21:30 hrs/ D 5, 19 hrs.
Hay una magnética escena de Juliette Binoche en “Copia certificada” en la que se maquilla y se prueba un par de aros en frente de un espejo. Viene de tener una discusión con su pareja (William Shimmel), y mientras él la espera sentando en el restaurant, en la que parece ser la última oportunidad para ambos de reconciliarse, ella ensaya coquetería. Ese momento explica por qué obtuvo el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes 2010: su rostro frente a la cámara es cine puro. El maestro iraní Abbas Kiarostami (“El sabor de la cereza”) ya lo había entendido así en su anterior “Shirin”, hecha solo con primeros planos de mujeres viendo una película en un cine, entre las cuales estaba Binoche. No contaremos la trama de “Copia certificada”: quizás sea mejor entrar a verla solo por ese rostro, esa mujer y esa escena.
Gonzalo Maza

Exhibiciones Especiales
Del martes 24 al Jueves 26 de Enero a las 16, 19 y 21:30 hrs.

Misterios de Lisboa, de Raúl Ruiz. Portugal. 2010. 260 minutos.
M y J 26, 16 hrs: Parte I
Mi 25 a las 16 hrs y J 26 a las 19 hrs: Parte II
Historia de encuentros, desencuentros y casualidades en la Europa del siglo XIX, Misterios de Lisboa es una cautivante y laborada reflexión sobre el destino y, en cierto modo, la evolución del viejo continente. La historia gira en torno a los numerosos personajes que de una u otra manera afectan la vida de Pedro da Silva, un huérfano que vive en un internado.

El árbol de la vida, de Terrence Malick, Estados Unidos. 2011. 139 minutos.
M 24, 21:30 hrs.
Con tan sólo seis películas a lo largo de tres décadas, el estadounidense Terrence Malick (La Delgada Línea Roja, Nuevo Mundo) se ha convertido en uno de los estetas más obsesivos del cine estadounidense. Después de mucho tiempo de preparación y edición, El Árbol de la Vida es realización de ambiciones cosmogónicas donde el auge y caída de una familia de los suburbios se emparenta con el destino del planeta. A través de la odisea vital de los O’Brien (padre e hijo), Malick construye una cinta poética, vital y de una dramaturgia ligada con las pulsiones esenciales del universo. Por la intensidad de su puesta en escena, que no excluye una mirada religiosa, se convirtió en uno de los estrenos cinematográficos más relevantes del 2011 y, ciertamente, en una de las películas más importantes del último tiempo.

Un Año Más, de Mike Leigh. Reino Unido. 2010. 127 minutos.
M 24, 19 hrs.
La nueva cinta de Mike Leigh (Secretos y mentiras, Vera Drake, La Felicidad Trae Suerte) está organizada en torno a los círculos afectivos y sociales en torno a una pareja de clase media, un geólogo y una psicóloga, y a la red de amistades que han tejido en torno a su intachable relación matrimonial. Precisamente la aparente entereza afectiva de ambos, y su felicidad que parece fluir de ahí, contrastan progresivamente con las desdichas de sus más cercanos. Leigh recurre, como es habitual, a viejos colaboradores como Jim Broadbent, Ruth Sheen, Lesley Manville e Imelda Stauton, entre otros, para dar vida a este relato pausado que tiene mucho de crónica generacional y estructura de comedia sin que llegue a serlo. El filme va enfrentando sutilmente a sus personajes y sometiéndolos a las contradicciones sociales y a las frustraciones construidas a partir de desengaños afectivos acumulados durante décadas. Un Año Más es una cinta precisa y perfecta en su construcción que obtuvo, entre otros, el Premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cine de Cannes de 2010.

Balada Triste de Trompeta, de Alex de la Iglesia. España. 2010. 107 minutos.
J 26, 21:30 hrs.
Llega a ser inabarcable la cantidad de guiños e influencias que posee esta penúltima cinta de Álex de la Iglesia que da cuenta de la venganza que muchos años después se toma un payaso desfigurado que fue forzado a participar en una matanza durante los últimos instantes de la guerra civil española. Claramente hay influencias decisivas de Batman (específicamente del personaje del guasón) y de la estética del cómic en general, pero también hay un regreso a temas ya habituales en el realizador, como la monstruosidad, los celos y las rivalidades mortales. Balada Triste de Trompeta retoma la ferocidad de las primeras cintas de De la Iglesia (Acción Mutante y El Día de la Bestia, principalmente). En su descripción de personajes insólitos y despojados recuerda a Muertos de Risa y en su retrato de un microcosmos ligado al espectáculo popular retoma la lógica de 800 Balas. Es, desde ese punto de vista, la más ecléctica de sus realizaciones y también una de las más feroces.

Retrospectiva: Resnais / Duras / Robbe-Grillet (12 hrs.) Entrada Liberada.
Si la obra de Alain Resnais fue singular en el contexto de la Nueva Ola Francesa no se debió sólo a que, por su estética y principios temáticos, pareciera alejarse de los parámetros realistas a los que se asoció el nuevo cine galo. Lo es también porque explícitamente debe mucho de su naturaleza a la Nouvelle Roman, movimiento literario que adquirió forma a fines de la década del 50 y que se propuso romper los esquemas narrativos de la novela convencional.
Y del mismo modo en que la obra de los escritores Alain Robbe-Grillet y Marguerite Duras (baluartes de este movimiento) son fundamentales para entender la lógica formal y expresiva de títulos como Hiroshima Mon Amour (1959) o L'année dernière à Marienbad (1961), el cine de Resnais guarda poderosas similitudes con la intermitente carrera que Robbe-Grillet y Duras emprendieron poco después como cineastas.
Esta retrospectiva revisa esa doble influencia: la de los escritores en la obra de Resnais y, paralelamente, la del cineasta en el trabajo cinematográfico de Duras y Robbe-Grillet a partir de ocho películas, la mayoría de ellas desconocidas para el público chileno, que dan cuenta de la permanente experimentación a la que se orientó la narrativa (literaria y audiovisual) durante los inquietos años sesenta.

Programación:
Hiroshima Mon Amour, de Alain Resnais. Francia. 1959. 90 minutos.
S 14 y D 22, 12 hrs.

L’ Année Dernière à Mariembad, de Alain Resnais. Francia. 1961. 94 minutos.
D 15 y L 23, 12 hrs.

India Song, de Marguerite Duras. Francia. 1975. 120 minutos.
L 16 y M 24, 12 hrs.

L’ Homme Qui Ment, de Alain Robbe-Grillet. Francia. 1968. 95 minutos.
M 17 y Mi 25, 12 hrs.

Mon Oncle D’Amerique, de Alain Resnais. Francia. 1980. 125 minutos.
Mi 18 y J 26, 12 hrs.

L’ Immortelle, de Alain Robbe-Grillet. Francia. 1963. 101 minutos.
J 19 y V 27, 12 hrs.

Mélo, de Alain Resnais. Francia. 1986. 112 minutos.
V 20 y S 28, 12 hrs.

Agatha ou les Lectures Illimitées, de Marguerite Duras. 1981. 90 minutos.
S 21 y S 29, 12 hrs.

ACTIVIDADES PARALELAS

Coloquio: Llegada y estadías del cine en Latinoamérica: discursos, conceptos, imágenes 9, 10 y 11 de Diciembre. Desde las 9:30 hasta las 15:30 hrs. Sala Cine UC.
Inscripciones en el 3546611 o a sfrodrig@gmail.com.

Coloquio Internacional  a cargo del equipo de Investigación Fondecyt dirigido por el catedrático Wolfgang Bongers.
Contará con la realización de mesas redondas donde se discutirá alrededor de los siguientes ejes temáticos:
1- Nacionalismo/cosmopolitismo del cine (circuitos internacionales, apropiaciones políticas)
2- Emergencia, evolución y vigencia de la crítica
3- Producción latinoamericana (documental, ficción, géneros híbridos, nuevas tendencias)
4- Intermedialidades (estéticas entre el cine y otras artes)
Con especialistas invitados de Alemania, Argentina, Chile.

Curso de Apreciación cinematográfica: nivel introductorio.
Curso  introductorio a la estética del Cine, a cargo del profesor Raúl Camargo.
Dirigido a personas que deseen iniciarse en los lenguajes e historia del cine.
Del 16 al 20 de Enero, a las 10:00 hrs. Sala 7, Centro de Extensión UC.
Inscripciones al 3546546.
Tocará los siguientes ejes temáticos:
1-. Nacimiento, Primeras Vanguardias y Sistemas de Representación:
2-. Consolidación del Lenguaje Cinematográfico Mudo y Llegada del Sonoro
3-. El Triunfo de la Narratividad: Industria y Géneros
4-. La Crisis de la Representación: Neorrealismo y Nuevas Olas
5-. El Caso Latinoamericano: De la Dependencia Económica a la Independencia Cultural

Presentación de ediciones de cine a cargo del equipo de laFuga.cl
Mesa de conversación con los autores de publicaciones acerca de cine,  editadas en Chile el 2011 y 2012. 24 de Enero,  de 19:00 a 21:30 horas. Sala Matte, Centro de Extensión UC. Entrada Liberada.