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lunes 23 de octubre 2017

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Museo de la Solidaridad Salvador Allende

MUROS BLANDOS Ser entre bordes

21 de Enero del 2018

MUROS BLANDOS Ser entre bordes

Esta exposición apunta a abrir una conversación sobre las nociones de migración, otredad y posibilidades de transformación, reuniendo a artistas de diferentes locaciones geográficas.

Esta exposición apunta a abrir una conversación sobre las nociones de migración, otredad y posibilidades de transformación, reuniendo a artistas de diferentes locaciones geográficas, perspectivas sociopolíticas y diversos momentos en el tiempo, que comparten un impulso por cuestionar las construcciones sociales de poder. Juntas, estas voces dispares encuentran puntos de confluencia y divergencia, creando una serie de capas de conversaciones de las que los públicos están invitados a participar.

La muestra reúne trabajos y nuevas producciones de artistas y colectivos de diversas procedencias -Pia Arke (Groenlandia-Dinamarca), Asco (Estados Unidos), Sebastián Calfuqueo (Chile), Colectivo Charco (Chile), Mujeres Creando (Bolivia), Javier Téllez (Venezuela), Vladimir Tomic (Yugoslavia) y Oreet Ashery (Reino Unido)- que poseen el impulso común de cuestionar ordenamientos sociales de poder a través de la creación de momentos de disrupción, cada uno encaminándose hacia nuevas posiciones de subjetividad.

De este modo, tomando específicamente trabajos que responden a condiciones de marginación, migración y exilio, la muestra se pregunta por la posibilidad de desafiar las jerarquías sociales, cuestionando en términos del educador y teórico brasileño Paulo Freire (Pedagogía del oprimido, 1970), quiénes son los opresores y los oprimidos de hoy, en qué consisten y dónde están las posibilidades de transformar estas dinámicas. ¿Puede el estado de ser entre bordes, al convertirse en una realidad para más y más personas, transformarse en la posición más poderosa, resistiendo y desafiando condiciones de opresión? Tanto la exposición como todas las actividades de Programas Públicos MSSA, plantean esta interrogante como punto de partida.

SOBRE LOS ARTISTAS

Pia Arke (Ittoqqortoormiit, Groenlandia)
Arke vivió y trabajó en Copenhague, Dinamarca. Era de origen groelandés y danés, y es reconocida como una de las críticas poscoloniales más importantes de la región nórdica. A través de la fotografía, el collage, el video, la instalación y la escritura, Arke examina los lugares donde vivió cuando niña y la relación colonial histórica entre Dinamarca y Groenlandia. Sus exposiciones y las explicaciones que las acompañan empujaron a Dinamarca a re-examinar la historia colonial de Groenlandia.

En tanto ella participó en algunas exhibiciones durante su vida, la mayor muestra de su obra en Dinamarca no ocurrió hasta después de su muerte con Tupilakosaurus, en Den Frie Centre of Contemporary Art y The National Museum de Dinamarca en 2010, en Copenhague. La obra de Arke se ha expuesto y coleccionado recientemente en museos, incluyendo Louisiana, Copenhague, Dinamarca; Brandts Museum of Art and Visual Culture, Odense, Dinamarca; y Moderna Museet Malmö, Suecia.

Asco (Los Ángeles, California, EE.UU.)
Formado a finales de la década de 1960 en Los Ángeles, California, EE.UU., con sus miembros centrales fundadores Harry Gamboa Jr., Gronk, Willie F. Herron III y Patssi Valdez. El colectivo se conoció siendo estudiantes en Los Ángeles mientras participaban en el movimiento de derechos civiles Chicano,  contribuyendo a protestas mayores como el Chicano Blow Out [‘Reviente Chicano’] en 1968 y Chicano Moratorium [‘Prohibición Chicana’] en 1970. Asco desarrolló su trabajo entre 1972 y 1987, a través de la performance, la fotografía, el film e intervenciones en el espacio público. El colectivo realiza acciones no anunciadas, utilizando tácticas efímeras y performativas para desafiar las inequidades sociales y políticas que los rodeaban en el Este de Los Ángeles, recurriendo tanto a su herencia mexicana de imaginería, como a la cultura popular y la transformación de estereotipos chicanos opresivos para  responder a asuntos contingentes.

La primera exhibición monográfica de Asco, Asco: Elite of the Obscure, a retrospective 1972-1987, se llevó a cabo en 2012 en el LACMA -Los Angeles County Museum of Art-, y en el Williams College Museum of Art, EE.UU., como parte de Pacific Standard Time: Art in LA 1945-1980. Subsecuentemente, la exhibición Asco: no Movies se mostró en Nottingham Contemporary, Reino Unido; itinerando a De Appel Arts Centre, Ámsterdam, Holanda; y CAPC Museum of Contemporary Art de Burdeos, Francia, todas en 2014.  ASCO and Friends: Exiled Portraits, en Triangle France, Marsella, 2014, fue co-producida con el Centro de Investigación y Estudios Chicanos de UCLA (Chicano Studies Research Center, CSRC). La obra de Asco también ha sido recientemente expuesta en exhibiciones grupales en la Tate Modern y Tate Liverpool, Reino unido; y en el Pompidou Centre, Francia. Esta es la primera presentación de la obra de Asco en Chile.

Oreet Ashery (Londres, Reino Unido)
Vive y trabaja en Londres, Reino Unido. Artista visual interdisciplinaria, con una práctica poco ortodoxa, ecléctica y de múltiples capas, que se extiende por la performance, las situaciones, la fotografía, la imagen en movimiento, assemblages, texto, música y workshops. La obra de Ashery confronta construcciones ideológicas, sociales y de género presentes dentro de la fábrica de realidades contemporáneas, tanto personales como colectivas.

Los proyectos a gran escala más recientes de Ashery incluyen: Passing Through Metal, una performance sónica comisionada por LPS, Malmö, 2017; la serie web Revisiting Genesis, comisionada por la galería Stanley Picker de la Kingston University de Londres, financiada por Wellcome Trust, 2016; The World is Flooding, una performance en la Turbine Hall de la Tate Modern basada en la obra de teatro ‘Misterio Bufo’ de Vladimir Maiakovsky, 2014; y Party for Freedom, un álbum de imagen en movimiento, conciertos y performances comisionado por Artangel, Londres, 2013. Ashery ha sido nominada para el Premio Jarman 2017 por su serie web Revisiting Genesis, la cual reflexiona sobre la industria de vida después de la muerte digital, y el legado,  amistades y reencarnaciones de arte feminista.

Sebastián Calfuqueo (Santiago, Chile)
Vive y trabaja en Santiago de Chile. De origen Mapuche, su obra recurre a su herencia cultural como un punto de partida para proponer una reflexión crítica sobre el estatus social, cultural y político del sujeto Mapuche al interior de la sociedad chilena actual. Su trabajo aborda la instalación, la cerámica, performance y el video, con el objetivo de explorar tanto las similitudes y diferencias culturales como los estereotipos que se producen en el cruce entre modos de pensamiento indígenas y occidentalizados. Sus exhibiciones recientes incluyen presentaciones individuales en Galería Metropolitana y el MAC -Museo de Arte Contemporáneo- de la Universidad de Chile, Quinta Normal, en Santiago de Chile.

Charco (Chile)
Colectivo chileno de arte conformado por los creadores Francisco González, Cristian Inostroza, Lucy Quezada y Paula Urizar. El colectivo ha desplegado su trabajo haciendo uso de distintos formatos, espacios y soportes; acciones de arte en el espacio público, proyectos educativos de arte contemporáneo, curatorías e investigación artística. Su práctica artística implica necesariamente una visión y acción crítica sobre nuestro contexto, contemplando las diversas contingencias que nos van rodeando como seres sociales, políticos y creativos, y buscando modos de abordar tales asuntos desde la creación.

La organicidad de Charco comienza el año 2015 con el desarrollo de un trabajo colaborativo en el Liceo 7, luego de 3 años de múltiples proyectos relacionados con el arte, la contingencia y la educación; teniendo así una fluida manera de trabajar colectivamente, vinculada por intereses y procedimientos comunes, así como por un vínculo afectivo y político. Actualmente, se desarrolla en Santiago de Chile como ciudad base, sin embargo, sus intereses y planes de acción se desenvuelven más allá de las fronteras geográficas de dicha ciudad y país.

Javier Téllez (Valencia, Venezuela)
Vive y trabaja en Nueva York, Estados Unidos. En sus instalaciones, films y videos, combina el documental y la ficción para cuestionar las definiciones establecidas de normalidad y patología en la sociedad. Hijo de dos psiquiatras, describe sus films y performances como “pasaportes que permiten a aquellos que están afuera, estar dentro”. Sus obras son frecuentemente creadas en colaboración con pacientes psiquiátricos, discapacitados y socialmente vulnerables, apuntando a desafiar los estereotipos asociados con la enfermedad mental al mismo tiempo que otorgando una voz a aquellos que están marginalizados o privados de derechos. De este modo, la obra de Téllez se convierte en una forma de resistencia a la normalización y homogeneización que es característica de los discursos dominantes, borrando los límites entre creatividad y desorden.

Exhibiciones individuales incluyen Shadow Play, Kunsthaus Zürich, Suiza, 2015; Games are forbidden in the labyrinth, REDCAT, Los Ángeles, EE.UU., 2014; Praise of Folly, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante, 2013; Javier Téllez, Bronx Museum of the Arts, Nueva York, 2005. Su obra ha sido expuesta en exhibiciones grupales internacionales, incluyendo Under the Same Sun, Galería South London, Londres, Reino Unido; Bedlam, Wellcome Trust, Londres, Reino Unido, ambas 2016; Rational / Irrational en HKW, Berlin, Alemania, 2008; Letter on the Blind For the Use of Those Who See, MoMA PS1, Nueva York; La extracción de la piedra de la locura [The Extraction of the Stone of Madness], Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela, 1996; también ha participado en la documenta 13, Kassel, Alemania, 2012; Manifesta, Trento, Italia; Bienal de Sydney; Bienal Whitney, Nueva York, todas en 2008; y en la Bienal de Venecia, 2001 y 2003.

Mujeres Creando (La Paz, Bolivia)
Fundado en La Paz en 1992 por la activista y creadora de la tesis de la despatriacalización, María Galindo (La Paz, Bolivia), Mujeres Creando es un movimiento internacionalista de mujeres trabajadoras (trabajadoras domésticas, prostitutas, poetas, periodistas, feriantes, artistas, modistas, profesoras, etc.). Por más de dos décadas, ha planteado que el feminicidio es un crimen de Estado, y trabaja sobre el concepto de heterogeneidad que se resume como: indias, putas y lesbianas, juntas, revueltas y hermanadas, así como también en relación a cooperativas de prostitución autogestionarias: prostitución sin proxenetas, actuando permanentemente en contra de las normas patriarcales a través de la circulación de zines, graffitis, protestas, intervenciones en el espacio público, workshops y una estación de radio llamada Radio Deseo.

Mujeres Creando responde a su contexto inmediato en Bolivia, pero al luchar contra sistemas patriarcales opresivos, sus acciones y pensamiento se vuelven universales, abriendo espacios de visibilidad y encubriendo otros con sus cuerpos, en la calle, en los medios de masas y en espacios artísticos internacionales. En 2014, participó en la 31 Bienal de Sao Paulo con el proyecto Espacio para abortar, el cual creó una plataforma para la discusión en torno al significado del aborto, la libre elección, el derecho a decidir y libertad de conciencia en democracias contemporáneas, especialmente en países sudamericanos donde el aborto es aún ilegal y está penalizado. Más recientemente, en 2017, María Galindo fue invitada a participar en Parliament of Bodies (Parlamento de los Cuerpos) con Paul B. Preciado en la Documenta 14 en Atenas.

Vladimir Tomic (Sarajevo, Yugoslavia)
Cineasta y artista visual radicado en Copenhague, Dinamarca. Su obra se ubica a medio camino entre el arte contemporáneo y el documental experimental. Tomic creció en Sarajevo y llegó a Dinamarca a la edad de 12 años, durante la guerra yugoslava a inicios de la década del noventa. Inspirado por tensiones universales y humanas, así como entre la identidad individual y la estructura cambiante de la sociedad, su trabajo extrae material de sus propias experiencias personales y observaciones de primera mano.

La obra de Tomic ha sido expuesta en Love at Last Sight, IAC Inter Arts Center, Malmö, Suecia, 2017; Anthology Film Archives en colaboración con ICP- International Center of Photography y Goethe Institute, Nueva York, 2017; The Great Migration, UGM, Maribor Art Gallery, Maribor, Eslovenia, 2016; Your Danish is Good, Instituto de Arte SixtyEight; Fokus Video Art Festival, Nikolaj Centre for Contemporary Art, Copenhagen, Dinamarca, 2016. Tomic ha exhibido además en variados festivales de cine y ha recibido numerosos galardones incluyendo Tagesspiegel Premio de los Lectores y Mención Especial del Jurado – Premio al Film de Paz en la Berlinale de 2015; Premio a la Conciencia Social – Mejor Documental, Crossing Europe, Linz, Austria, 2016 y Premio Amnistía Internacional, Lisboa, Portugal, 2015.

SOBRE LAS CURADORAS

Mette Kjærgaard Præst (n. Holbæk, Dinamarca) es una curadora independiente basada en Copenhague y Londres. Su práctica se informa por un creciente interés en estrategias y prácticas que reimaginan o discolan sistemas políticos y sociales. Es curadora en PS/Y, una organización que explora la interfaz del arte y las ciencias de la salud a través de programas como Hysteria, London, 2017. Algunos proyectos curatoriales recientes incluyen: Roll over spin forward, SixtyEight Art Institute, Copenhague, 2016; FLUID PHOSPHORESCENCE, Residency Unlimited, New York, 2015; Morphologies, un programa de un año de exhibiciones en Kunstraum, London, 2014-2015; Dizziness of freedom, Anxiety Festival London, 2014; Flirting, playing, eating, drinking, talking, laughing, Kunstraum, London, 2014; Party for Freedom de Oreet Ashery en Artangel, London, 2013 y Ritual without Myth, RCA, London, 2012. Mette Kjærgaard Præst tiene un grado de MA in Curating Contemporary Art del Royal College of Art, London.

Lily Hall (n. Londres, Inglaterra) es una curadora independiente basada en Londres.  Entre 2012 y 2014 desarrolla una labor curatorial y de gestión en el Departamento de Exhibiciones del importante espacio Fundación Calvert 22, el único espacio non-for profit de UK dedicado a la presentación de arte contemporáneo del Este Europeo y Rusia. Posteriormente ha trabajado como editora y curadora independiente en Londres, realizando colaboraciones con The Performance Studio, Chisenhale Gallery (2016) y galería Raven Row, 2015-16. Lily tiene un grado de MA en Curating Contemporary Art (2010-12) del Royal College of Art, London y es Batchelor en Art History and English Literature de la Universidad de East Anglia, 2004-07.

Daniela Berger Prado es Curadora, Licenciada en Teoría e Historia del Arte de la Universidad de Chile, y MA en Curatoría de Arte del Royal College of Art, Londres. En Reino Unido realizó las curadurías de las exposiciones colaborativas Ritual Without Myth y Notes for an exhibition, entre otras. Ha sido Coordinadora del Museo de Arte Contemporáneo sede Quinta Normal, (2012-2013), donde desarrolló proyectos como la exposición de Luis Camnitzer, Colección DAROS Latinoamérica, en colaboración con el MMDDHH y la Galería Alexander Gray NYC; Poetas en Tiempos de Escasez y Un Exilio Sin Retorno, Rodrigo Rojas de Negri. Posteriormente fue Encargada de Exposiciones del Centro Cultural La Moneda, con la curatoría de exposiciones como Puro Chile, Paisaje y Territorio junto a Gloria Cortés y Juan Manuel Martínez, Al ritmo de Brasil, Arte Naif, Popular y Moderno; y Visiones Territoriales, fotografía contemporánea, junto a Montserrat Rojas. Desde 2016 se desempeña como Curadora y Coordinadora de Programación del Museo de la Solidaridad Salvador Allende, donde ha desarrollado diversas exposiciones y la curaduría de La Emergencia del Pop. Irreverencia y calle en Chile, junto a Soledad García.

Esta exposición cuenta con los aportes de: Fondo de Subvención Presidencial Chile, British Council Chile, Danish Arts Foundation, Arts Council England / National Lottery a través de Artist’s International Development Fund, en colaboración con el British Council Reino Unido.

Valores
Martes a Sábado
: $1.000 pesos público general, excepto estudiantes, tercera edad y organizaciones sociales, que tienen entrada liberada.
Domingo: Gratuito para todo el público.

Horarios
Abril a noviembre:
Martes a domingo, de 10 a 18 horas.
Diciembre y enero:
Martes a domingo, de 11 a 19 horas.